Une famille sans problèmes (pour une fois) prend des vacances dans une ancienne maison, louée pour une bouchée de pain. Les contraintes: ils doivent prendre soin de la maison et de son occupante, une dame âgée qui vit recluse au dernier étage de la demeure. Le piège: le véritable prix de la location ne se chiffre pas en pièces sonnantes et trébuchantes, mais en vies…

Comme dans nombre d’autres films de l’époque, l’ambiance générale de malaise indéterminé prime sur les moments d’angoisse ou d’horreur, qui servent généralement à libérer enfin cette tension progressive tout en l’expliquant enfin. Mais contrairement aux autres films, les raisons psychologiques sous-jacentes, souvent obscures et imagées, et qui servent toujours de fondation aux films d’épouvante, ne sont jamais mises au clair! Ni la promesse du titre anglais (comme vu plus haut), ni celles des quatre cinquièmes du film ne sont tenues. Les rares phénomènes surnaturels, et la libération finale et fatale se produisent sans raison apparente, ni même raisonnement: qui agit? Est-ce la maison, son occupante invisible, ou un démon qui contrôlerait l’un et l’autre…? Quelles sont les origines des terribles propriétaires, quel est leur but? Et pourquoi cette pauvre famille a-t-elle été choisie pour le sacrifice? On n’en saura rien. Question subsidiaire: à quoi sert le chauffeur du corbillard? Trauma est comme un puzzle auquel il manquerait quelques pièces, qui n’enlèvent rien à sa beauté générale, mais qui empêchent d’obtenir pleine satisfaction quand on tente de le compléter.

En bref: un film dans la lignée des classiques de l’époque, mais auquel il manque plusieurs éléments clés indispensables. A regarder seul en débranchant son cerveau, ou en famille, si jamais on veut trauma-tiser ses enfants…

Une musique d’ambiance présente mais qui n’apporte rien, de jolis décors qui ne sont pas assez mis en valeur, au contraire des créatures qui sont elles beaucoup trop travaillées. Sans parler de certains coins du scénario qui sont gentiment laissés dans le noir.

En bref, encore un remake (même titre, 1973) qui ne sert à rien. D’ailleurs, même s’il existe une traduction officielle au titre de la première version (« les Créatures de l’Ombre« ), celui de la version présente restera en vo, pour montrer que ce film ne mérite même pas cet effort-là. Il ne vaut pas le coup d’être regardé, sauf pour les fans de Guillermo del Toro (celui du Labyrinthe de Pan, bien plus intéressant).

12 documents vidéo, qu’ils soient reportages, archives gouvernementales ou personnelles, ayant tous comme thème commun la mise au jour de phénomènes scientifiques ou sociaux inhabituels, étranges, ou complètement surnaturels.

Entre autres, un manoir perdu dans le temps, un camp soviétique de cyborgs défaillants et oubliés, ou encore un enfant pouvant déplacer des objets par la pensée… Et même un treizième document, inédit, qui a été ressorti des archives à l’occasion des 20 ans d’Arte.

J’ai déjà mentionné à plusieurs reprises ici le Projet Blair Witch, qui a réveillé le genre du faux documentaire, mais sur les 60 ans qui séparent la fausse alerte radiophonique d‘Orson Welles (interprétation très réaliste des événements de la Guerre des Mondes d’H.G. Wells) et les premières rumeurs du Projet, d’autres faux reportages ont vu le jour sans obtenir la popularité de l’un ou de l’autre. Pour le dernier, la participation d’Internet n’y est pas pour rien, les rumeurs se propageant infiniment plus vite depuis la fin des années 90, qui sont incidemment la période à laquelle est sortie le Projet Blair Witch.

Et malgré ce recul, encore aujourd’hui, les Documents Interdits font leur effet: on peut voir traîner sur le net les commentaires de nouveaux spectateurs qui mettent en question la véracité des 12 vidéos. Tout est bluffant: le nombre de participants pour chaque reportage, le montage amateur, la plausibilité générale des références mentionnées, l’internationalité des lieux et des langages, et la voix off dépourvue d’émotion, loin, tellement loin de la mise en scène ridicule des séries TV américaines du type Ghost Hunters, ou des faux-films les plus récents.

Dérangeants, étonnants, oniriques parfois, rappelant les thèmes de certaines oeuvres de H.P. Lovecraft, les Documents Interdits sont un ensemble de pirouettes filmologiques à voir, à garder dans ses archives et à partager, pour tester leur efficacité encore et encore aux cours des années à venir…

La présence et le jeu des acteurs rattrape le film avant qu’il ne tombe dans la catégorie ‘kitsch’, mais vraiment de justesse. En bref, vite vu, vite oublié. L’épisode 9 de la première saison des X-Files (« Space »), sur le même thème, m’a marqué plus durablement que cette fausse mission dont je n’ai absolument pas été dupe. Dommage, c’était vraiment bien parti.

Le héros principal est antipathique au possible: ouvrier de chantier aux horaires décalés, propriétaire d’une petite et moche maison de banlieue, divorcé, piètre père de famille qu’on aurait envie de dénoncer pour abandons répétés de ses enfants, désespéré dans son incapacité à prendre des décisions cohérentes, la seule chose qu’il a pour lui, c’est son look. C’est Tom Cruise, quand même. Mais comme l’apparence est le dernier des pré-requis dans un scénario catastrophe, finalement même ça, ça lui dessert. Le Tom Hanks de 2012 semble beaucoup plus approprié pour ce genre de rôle.

Son fils est un patriote en herbe, jeune et borné, au charisme d’huître. Et sa fille, bon, sa fille, c’est Dakota Fanning, mais à part jouer les autistes et pousser des hurlements suraigus, elle ne sert pas à grand chose non plus. Allez, disons que sa présence justifie le prix du voyage de son père, et encore.

On retrouve la scène de la fuite en voiture, qui par la magie du cinéma peut naviguer sans encombre entre les autres véhicules accidentés, dans les ruines, dans les masses humaines en mouvement (mais pour continuer la comparaison la Guerre des Mondes / 2012, le premier est heureusement bien loin du degré d’invraisemblance du second à ce niveau).

Et à part ça, on a quoi… Des scénettes d’interaction entre humains à la dérive, tous moins attachants les uns que les autres, et des actions/réactions extra-terrestres plutôt incompréhensibles. Pour ce dernier point, O.K, ce sont des aliens, et O.K., les explications scientifiques habituelles dans ce genre de film ont été mises de côté, sans doute pour privilégier le côté « héros qui survit à un danger mortel sans jamais rien comprendre ». Le souci c’est que le spectacteur non plus n’y capte rien.

Et la fin… Décevante! Tellement décevante! Une phrase en voix off! La première fois que j’ai vu ce film au cinéma, j’ai eu du mal à accepter que c’était la conclusion. Cette fois, je me suis appliqué pour tenter d’obtenir un soulagement final, hé ben non, encore raté. Pas d’espoir, pas de gain. Les acteurs de la version de 1953 font une apparition éclair dans la dernière scène histoire de dire, et puis c’est fini. Décevant!

Une girls band de seconde zone découvre une chanson originale et sa chorégraphie sur une cassette vidéo oubliée. En se l’appropriant, elles rencontrent un succès immédiat auprès de leur public, mais déclenchent du même coup une malédiction qui va les frapper l’une après l’autre…

C’est à voir une fois, comme ça, en divx, pour le fun. Il n’y a ni de quoi remplir les salles obscures, ni de quoi justifier une édition blu-ray collector en forme de la bouteille d’eau de javel qu’on voit dans le film. Mais après la flopée de films sans intérêt ou sans peur ajoutée que j’ai pu visionner ces dernières années, ça fait plais’ de tomber sur ce petit bonbon coréen.

Mais il va quand même falloir que je comprenne pourquoi les cassettes vidéo ont autant d’attrait pour les scénaristes de films d’épouvante asiatiques…

L’histoire: Lillian, petite ville tranquille de l’Ohio, devient l’objet de phénomènes étranges et de disparitions inexpliquées après l’accident spectaculaire d’un train de l’armée américaine. La caméra Super 8 d’une bande de gamins qui tournait la scène-clé d’un film amateur près de la voie ferrée a tout enregistré. Mais avec des parents trop occupés, trop distraits, ou trop distants, les enfants vont devoir découvrir l’origine des phénomènes par eux-mêmes…

L’action se déroule en 1979, ce qui me rappelle que j’ai déjà vu toute la bonne volonté de mon premier paragraphe ailleurs… Ah oui, dans E.T., sorti en 1982. Et aussi dans les Goonies, 1985. Et dans tout un tas d’autres films de la même époque dont les héros sont des pré-ados américains qui rêvent d’aventures. Mais de nos jours (malheureusement…?), l’esprit boy-scout est un peu daté, et Super 8, bien qu’étant réussi sur presque tous les plans, ne marquera certainement pas les mémoires très longtemps, à part comme hommage à cette époque révolue.

On le devine du début à la fin, et J.J. Abrams, scénariste & réalisateur de Super 8, ne s’en cache pas: c’est un film nostalgique et auto-biographique, le rêve réalisé d’un gamin qui aimait faire du cinéma… Inspiré par le talent de Spielberg, d’ailleurs co-producteur du film, mais sans vraiment parvenir à le rejoindre, c’est très divertissant mais pas transcendant. Je dirais même qu’il manque un détail important: les relations entre les humains et la « chose » sont évoqués, mais pas vécus en direct. Certaines scènes importantes de la fin du film en pâtissent sérieusement.

Ceci étant dit, on a des personnages attachants, des gamins charismatiques, un scénario sympathique, des détails savoureux, une excellente réalisation et une belle âme: en bref, un bon film à regarder en famille une fois tous les deux ans, en HD de préférence.

Anecdote en post-scriptum: dans les réquisitoires science-fictifs récents contre la discrimination, on trouve d’un côté District 9, noir sans sucre, pour adultes; et de l’autre côté, Super 8, un cran en-dessous (comme l’indique le titre), version colorée et sucrée, pour enfants. Sans savoir si c’est voulu (j’en doute un peu, mais qui sait), je trouve ça amusant.

Divertissant du point de vue des paysages, du rythme du film et du charisme des acteurs impliqués (Kristen Stewart pre-Twilight, John Corbett & Dylan McDermott, ainsi que les très mignons jumeaux Turner dans le rôle du gamin) mais inintéressant au possible côté scénario et effets spéciaux. L’inspiration japonisante des fantômes tombe à plat, on est dans le Midwest des Etats-Unis! Bien plus intéressante et cohérente dans le contexte, la scène avec les corbeaux qui ressemble d’ailleurs à un hommage aux Oiseaux d’Hitchcock. Le reste est vu, revu, et sera vite oublié. Tout juste bon pour une soirée DVD toutes lumières allumées, l’absence presque totale d’occasions de sursauter ne justifiant même pas de le regarder dans le noir.

Un professeur de musique s’isole dans une immense demeure déserte pour se perdre dans ses compositions après le décès violent de sa femme et de sa fille. Mais les murs des anciennes maisons ont toujours le souvenir de leurs anciens occupants, et ce sont les fantômes qui les hantent qui imposent toujours leur rythme. De bruits nocturnes en visions étranges, notre héros découvrira peu à peu l’histoire de « l’enfant qui a été changé »…

Comme beaucoup de films d’épouvante surnaturelle des années 70-80, L’Enfant du Diable a une ambiance toute particulière, créée par les scènes dans lesquelles le héros principal vit sa vie, qui ne font pas avancer l’histoire mais qui forment un beau contraste entre l’humanité du héros et l’étrangeté des phénomènes dont il est la cible. La scène du cours magistral en est un parfait exemple: inutile pour le développement du scénario, elle a néanmoins nécessité la présence d’une centaine de figurants, juste pour quelques secondes de « normalité ». La scène du tournage dans l’Exorciste est du même calibre.

En lui-même, le scénario est un peu alambiqué, et on devine après coup que le choix du titre est une tentative de subtilité supplémentaire. Et après tous les détours parcourus au long des 107 minutes (l’accident, la maison, les phénomènes, la recherche documentaire, la découverte macabre), la confrontation finale en deviendrait presque banale, bêtement humaine. Du film d’horreur, on passe au mystère pour arriver à une conclusion en mode thriller.

A voir de toute façon pour certaines scènes cultes, dont celle de la petite balle rouge dans les escaliers…

Tout ça pour une fin inattendue mais pas excessivement surprenante, qui invite à d’autres horizons, comme celle de Cube. Et comme dans ce dernier, on peut avoir l’impression que les sujets abordés par Cypher ont été posés autour d’un vide plutôt qu’autour d’un thème central, le tout parvenant néanmoins à atteindre un équilibre tout oriental, façon Feng Shui.

On ne s’ennuie pas (trop), et on se laisse séduire par cette petite perle de cinéma, simple mais efficace.